PALABRAS

António Manuel Pires Cabral

2011-02-04T14:11:00.000-08:00

No existe poema

No existe poema que valga el oboe
oculto en la voz de esta cautelosa
ave ribereña
que va monologando en una lengua
que los poetas desconocen

del poeta portugués

António Manuel Pires Cabral

(Portugal, 1941)

Traducción Leo Lobos

Arte: Roberto Matta.

Antología poética de Tanussi Cardoso unirá a México, Chile y Brasil

2010-07-06T08:44:00.000-07:00

Con una selección de poemas, traducción al castellano y prólogos de Leo Lobos y Angélica Olaya, el poeta, periodista y crítico literario brasileño Tanussi Cardoso presentará la antología bilingüe “Del aprendizaje del aire”, el próximo miércoles en esta ciudad.

Se trata de un ejercicio poético que une a Brasil, con México y Chile, a través de la poesía brasileña contemporánea, destacan los organizadores. La publicación reúne un total de 42 poemas retomados de los libros “Viagem emtorno de”, “A medidas do deserto e outros poemas revisitados” y “Excercício do Olhar”, en los que el autor recurre a sus temas predilectos, como son: La muerte, la infancia, el amor, Dios, la memoria, el quehacer poético y el tiempo.

Tanussi Cardoso explicó que esta antología se originó cuando recibió un pedido del poeta y artista plástico chileno Leo Lobos, para publicar algunos poemas suyos, traducidos por él, en páginas de Internet. De esa idea nació la posibilidad de ir a Chile y, posteriormente, la creación de un libro.

“En el 2006 fui invitado, junto con el recordado poeta Marcio Carvalho, para representar a Brasil en el Segundo Festival Latinoamericano de Poesía. En aquella ocasión, la poeta mexicana Angélica Santa Olaya me presentó la traducción de decenas de poemas míos (...). Las traducciones chilenas se sumaron a las traducciones mexicanas: Éramos, ahora, tres voces y tres países: Brasil, Chile y México”.

“Del aprendizaje del aire” es una muestra de un trabajo de traducción impecable en soluciones verbales y gramaticales, entendiendo lo esencial, modificando el texto cuando fue necesario sin afectar el ritmo, la intención o la armonía de los versos y palabras. En ningún momento muda el sentido ni se desestructura la semántica ni la sintaxis del poema.

Con el apoyo del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) y el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), el libro “Del aprendizaje del aire”, de editorial fivestar, será presentado por Saúl Ibargoyen, Leo Lobos, Angélica Santa Olaya, Carlos Véjar y el autor, el miércoles 7 de julio en la Sala Adamo Boari del Palacio de Bellas Artes.

http://germinaliteratura.blog. uol.com.br/

La Coordinación Nacional de Literatura del
Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA)

invita a la presentación del libro

"Aprendizaje del Aire"
(antología bilingüe)
de Tanussi Cardoso

Poesía brasileña traducida al español por

Angélica Santa Olaya
y
Leo Lobos

Presentadores:

Saúl Ibargoyen
Carlos Pérez Véjar

miércoles 7 de julio a las 19 hrs.
en la sala Adamo Boari del Palacio de Bellas Artes
Ciudad de México

Tanussi Cardoso nació el 25 de febrero de 1946 en Río de Janeiro. Licenciado en Periodismo y Derecho. Estudió algunos años en la Facultad de Letras de Río de Janeiro. Es poeta, cuentista, crítico literario y compositor de letras para canciones. Es funcionario del Tribunal de Justicia de Río de Janeiro. Pertenece a la generación de poetas que en los setentas despuntaron como activos promotores y creadores de poesía. Es colaborador activo de diversas publicaciones literarias difundidas por todo Brasil. Ha sido jurado de diversos concursos literarios.

Tanussi Cardoso luego de más de dos décadas creando poesía se ha convertido en una de las más bellas y respetadas voces poéticas de Brasil. Ha sido publicado en los Estados Unidos, Uruguay, Argentina y Portugal y ha sido traducido al francés y al español. También ha obtenido varios premios literarios. Tiene publicados los libros: “Desintegració n” (1979), “Boca Maldita” (1982), “Callejón sin salida” (1991), “Viaje en Torno de...” (2000); exitoso libro, éste último, por el cual el autor recibió el premio ALAP de Cultura otorgado por el gobierno de Río de Janeiro y ha sido incluido en diversas antologías poéticas. Su obra ha sido avalada por los más reconocidos críticos, escritores y poetas brasileños que han considerado su poesía como un ejemplo de densidad creativa en continua reinvención.

Rafael Cadenas - Poesía desde Venezuela

2010-05-20T08:42:00.000-07:00

Derrota

Yo que no he tenido nunca un oficio
que ante todo competidor me he sentido débil
que perdí los mejores títulos para la vida
que apenas llego a un sitio ya quiero irme
que he sido negado anticipadamente y escarnecido por los más aptos
que me arrimo a las paredes para no caer del todo
que soy objeto de risa para mí mismo
que creí que mi padre era eterno
que he sido humillado por profesores de literatura
que un día pregunté en qué podía ayudar y la respuesta fue una risotada
que no podré nunca formar un hogar, ni ser brillante, ni triunfar en la vida
que he sido abandonado por muchas personas porque casi no hablo
que tengo vergüenza por actos que no he cometido
que poco me ha faltado para echar a correr por la calle
que he perdido un centro que nunca tuve
que me he vuelto el hazmerreír de mucha gente por vivir en el limbo
que no encontraré nunca quién me soporte
que fui preterido en aras de personas más miserables que yo
que seguiré toda la vida así y que el año entrante seré muchas veces
                                                                   más burlado en mi ridícula ambición
que estoy cansado de recibir consejos de otros más aletargados que yo
que nunca podré viajar a la India
que he recibido favores sin dar nada a cambio
que ando por la ciudad de un lado a otro como una pluma
que me dejo llevar por los otros
que no tengo personalidad ni quiero tenerla
que todo el día tapo mi rebelión
que no he hecho nada por mi pueblo
que me desespero por todas esas cosas y por otras
                                                           cuya enumeración sería interminable
que no puedo salir de mi prisión
que he sido dado de baja en todas partes por inútil
que en realidad no he podido casarme ni ir a París ni tener un día sereno
que me niego a reconocer los hechos
que siempre babeo sobre mi historia
que soy imbécil y más que imbécil de nacimiento
que perdí el hilo del discurso que se ejecutaba en mí y no he podido encontrarlo
que no lloro cuando siento deseos de hacerlo
que llego tarde a todo
que he sido arruinado por tantas marchas y contramarchas
que ansío la inmovilidad perfecta y la prisa impecable
que no soy lo que soy ni lo que no soy
que a pesar de todo tengo un orgullo satánico aunque a ciertas horas
                                               haya sido humilde hasta igualarme a las piedras
que he vivido quince años en el mismo círculo
que me creí predestinado para algo fuera de lo común y nada he logrado
que nunca usaré corbata
que no encuentro mi cuerpo
que he percibido por relámpagos mi falsedad y no he podido derribarme,
                                               barrer todo y crear de mi indolencia, mi flotación,
                                               mi extravío una frescura nueva, y obstinadamente
                                               me suicido al alcance de la mano
me levantaré del suelo más ridículo todavía para seguir burlándome de los otros
                                               y de mí hasta el día del juicio final.

Rafael Cadenas es poeta, traductor y catedrático venezolano nacido en Barquisimeto, Lara, en el año de 1930. Desde muy joven se inclinó por la literatura y acogió tempranamente el riesgo político. Por su militancia comunista se exilió en Trinidad y sólo regresó a Caracas en 1957. Trabajó como profesor de literatura inglesa y española. Ha viajado además por diferentes países de América y Europa y ha traducido a Lawrence, Nijinski, Whitman, Cavafy y otros. Dueño de un lenguaje mágico y depurado, su obra lo sitúa como uno de los grandes exponentes de la poesía modernista hispanoamericana. De sus libros de poesía y ensayo merecen destacarse, "Los cuadernos del destierro" en 1960, "Falsas maniobras" en 1966, "Memorial" en 1977, "Intemperie" en 1977, "Anotaciones" en 1983, "Amante" en 1983, "Dichos" en 1992, "Gestiones" en 1992 y "Apuntes sobre San Juan de la Cruz y la mística" en 1995. Recibió la beca Guggenheim en 1986 y el doctorado Honoris Causa de la Universidad Central de Venezuela. Su obra ha sido galardonada con premios importantes entre los que se cuentan el Premio Nacional de Ensayo en 1984, el Premio Nacional de Literatura en 1985, el Premio San Juan de la Cruz en 1991 y el escritor venezolano Rafael Cadenas ganó el Premio FIL de Literatura y Lenguas Romances 2009 que otorga cada año la Feria Internacional del Libro de Guadalajara, en México.

Arte por Leo Lobos, mayo 2010.

José Ángel Leyva - poesía desde México

2010-05-18T10:48:00.000-07:00

LÍNEAS

Entre dos puntos la línea divide un infinito
los límites de un cuerpo
de un volumen
el comienzo de la imagen
El pincel con fibras asombrosas
se desliza entre espectros de manos dibujantes
Durero Leonardo Doré Shitao Klee
Alambres nerviosos del silencio
Caligrafías de los sentidos y del sueño
Un lápiz desmadeja las formas informales
el presente amorfo de recuerdos del futuro
las rayas de la palma y de los dedos
en cuevas muros y peñascos
En las manos que escriben va la suerte
del grafito con su punta desgastada
Resistencias cuerdas filamentos espirales
encendidas por Ariadna en las cavernas
en la mirada medio humana de la bestia al descender a la rúbrica y al trazo
la línea es frontera y es principio
de quien escribe y dibuja sus fantasmas

*

José Ángel Leyva nació en Durango, México, en 1958. Co-director de la revista de poesía Alforja. Obtuvo el Premio Nacional de Poesía "Olga Arias" con el libro Entresueños, en 1990, y en 1994 el segundo lugar en el certamen nacional de poesía convocado por la Universidad Veracruzana. En 1999 recibió el premio del XXIX Certamen Nacional de Periodismo, en el área de reportaje cultural, otorgado por el Club de Periodistas. Ha publicado los libros de poesía: Botellas de sed, 1988; Catulo en el Destierro, 1993; Entresueños, 1996 y El Espinazo del Diablo, 1998. Autor de otros libros como El admirable caso del médico curioso: Claude Bernard, 1991; El Naranjo en flor. Homenaje a los Revueltas, 1994; Lectura del mundo nuevo, 1996; El Politécnico, un joven de 60 años, 1996; Ediciones sin nombre, 1999; y la novela La noche del jabalí (Fábulas de lo efímero), 2002. Coordinó y forma parte de los libros Versoconverso (Poetas entrevistan a poetas mexicanos), 2000; Versos comunicantes I y II (Poetas entrevistan a poetas iberoamericanos), 2001; Taga el papalote (libro para niños), 2005; La sombra de lo que va a suceder, 2006. Es autor además de los textos de libros y catálogos de artistas plásticos, entre los que destacan: Leonel Maciel, Guillermo Ceniceros, Carlos Gutiérrez Angulo, Irene Arias, entre otros. Poemas suyos han sido traducidos a otros idiomas: portugués, rumano, búlgaro, inglés, griego.

Nos dice el autor: “La poesía es una revelación, la más honda y humana, la más íntima y universal, nos pone frente a la conciencia de la muerte con la lucidez de cada inspiración del aire. Una revelación gradual, constante, a través del cultivo de un lenguaje estético, cualquiera que sea su soporte, su medio de expresión. Hasta ahora, la palabra escrita alcanza mayores profundidades significativas en ese terreno, pero la poesía está en la esencia de las artes, en la sustancia inconforme de la vida. Desde niño advertí el valor de las palabras, su carga emocional, su fuerza, su energía, su capacidad transformadora y trasgresora, dominante. Pero la palabra hecha poesía era la más amada y la menos dócil, la más común y la menos accesible. Estaba en boca de todos y en boca de nadie, estaba en los libros y en la puerta de mi casa, en la montaña y en la piedra acariciada por el río. Poco a poco fui entendiendo su lugar en el tiempo, en el doblez de la nada, en el gesto de las cosas, en el dolor y en el gozo de la gente, en su tránsito por la memoria. Como en la infancia, estoy persuadido de que la poesía se hermana con el sueño, se desprende del deseo, se vuelve signo, señal, acto creador. Va más allá de quien la invoca, de quien la escribe, de quien la hace, de quien la aprehende: es libre. La persona que se dice poeta o artista no siempre está a la altura de las circunstancias, no siempre corresponde al valor de sus palabras o sus obras. Por eso la verdadera poesía vive, germina sobre la tumba de los muertos, dialoga con el tiempo. Si bien la poesía es una ofrenda, no es inocua, puede cambiar el mundo.”

Arte de Leo Lobos, mayo 2010.

Otávio Afonso - poesía de Brasilia

2010-05-16T07:13:00.000-07:00

Sordo compás

busco más allá del zodiaco

el polvo de tu rostro envejecido

busco aves y obeliscos

y sé del grave riesgo

que trae el anverso de la pluma

en el misil que yace

entre un silo y el silencio

busco en el cielo de mayo

el manto blanco de dios

ala suspendida batiendo al sol

el distante azul de la tristeza

mas súbito avanzan

ojivas con alas de tántalo

sembrando la simetría de las orbitas

y el repicar de los láser-tipos

en la entraña de la gastada memoria

Otávio Afonso

Traducción al castellano y arte Leo Lobos

Otávio Afonso nació en Porto Velho, Estado de Rondonia, Brasil en 1953. Vivió en Brasilia desde 1980. Fue coordinador de derecho autoral del Ministerio de Cultura. Publicó el libro 13 horas (1978), poemas experimentales junto a los poetas Damário da Cruz e Márcio Salgado. En 1980, fue el primer brasileño en ganar el Premio Casa de las Américas, en lengua portuguesa, con el libro de poesía: Cidade Morta - Ciudad Muerta. Participa del disco Revivencia, de Marluí Miranda, con la letra de la música Imagens. Participó entre otras de la antología Novos poetas Brasileiros, organizada por la poeta Hilda Hilst. Falleció el 5 de marzo de 2008. Dejó en el aire un blog llamado: Chao de Adeus www.ocmas.blogspot.com y varios libros de poesía inéditos.

Del libro: Deste Planalto Central - Poetas de Brasilía. Organizado por Salomão Sousa. Thesaurus Editora, Brasilia - Brasil, 2008.

Domingo Acosta - poesía desde Islas Canarias, España

2010-05-13T08:48:00.000-07:00

Luna:

no me mires más

con esas preguntas sin respuesta;

ya no quiero inventar más constelaciones,

ya no puedo llevarte otra noche despejada

y transitar tu luz de caminos desvelados.

Necesito conquistar el sol con otros ojos,

necesito que se rompa el sueño vivo,

que despierte el día en el asombro.

Por eso, te dejo ahora, sola, dormida,

resplandeciendo entre nubes y sombras.

A Juan Carlos Romano

Poema: Domingo Acosta Felipe

Arte: Leo Lobos

2010

5 textos del poeta Mark Strand - Estados Unidos

2010-02-09T06:19:00.000-08:00

Traducción

I

Hace algunos meses, mi hijo de cuatro años me dio un sobresalto. Se había agachado y estaba limpiándome los zapatos cuando alzó los ojos y dijo: «Mis traducciones de Palazzeschi no van por buen camino».

Retiré el pie de inmediato: «¿Tus traducciones? Ignoraba que supieras traducir».

«No me has prestado mucha atención últimamente –respondió–. He tenido grandes dificultades a la hora de decidir cómo quiero que suenen mis traducciones. Cuanto más atentamente las miro, menos seguro estoy de cómo han de ser leídas o comprendidas. Y, dado que soy un poeta incipiente, cuanto más se parezcan a mis propios poemas, menos probable es que tengan alguna calidad. Trabajo sin cesar, haciendo infinidad de cambios, con la esperanza de llegar por algún milagro a la versión adecuada en un inglés que no soy capaz de imaginar. Ha sido duro, papá.»

La visión de mi hijo bregando con Palazzeschi hizo que me saltaran las lágrimas. «Hijo mío –dije–, deberías traducir a un poeta joven, alguien de tu edad, que no haya escrito buenos poemas. De este modo, si tus traducciones son malas, no tendrá importancia.»

II

La maestra de mi hijo en la guardería vino a verme. «No sé alemán», dijo, mientras se desabrochaba la blusa y el sujetador y los dejaba caer al suelo. «Pero siento la necesidad de traducir a Rilke. Ninguna de las traducciones que he leído me parece buena. Si las combinara todas, estoy segura de que podría conseguir algo mejor.» Se bajó la falda. «He leído que Rilke es una especie de Gerald Manley Hopkins en alemán, así que tendré El naufragio del Deutschland a mano. Algo me tiene que influir, a la fuerza. No sé bien qué poemas traduciré, pero me inclino por las Elegías de Duino, pues se parecen más a mis propios poemas. Por supuesto, asistiré a clases de alemán mientras trabaje.» Se quitó las medias. «Bien –preguntó–, ¿qué te parece?»

«Eres una de esas personas –dije–, que piensa que la traducción es una lectura, no del texto original, sino de todas las demás traducciones que están a su alcance. ¿Por qué gastar dinero en clases de alemán si tu traducción se nutre en realidad de traducciones ya publicadas?» Luego, mientras extendía la mano para espantar una mosca de su cabello, proseguí: «Tu estrategia es la del editor: corriges la traducción de otro hasta que suena como tú quieres, sorteando la etapa más importante en la conversión de un poema en otro: el estadio inicial que cifra la originalidad de tu lectura y que consiste en encontrar equivalentes aproximados. Incluso si trabajas con alguien que sepa alemán, no serás más que el editor de esa persona, pues será ella quien dé el primer paso, y, por mucho que racionalice su elección, la habrá hecho de forma intuitiva o automática».

«¿Me estás diciendo que no debería traducir?», dijo ella.

III

«¿Qué sucede?», le dije al marido de la maestra de la guardería.

«He decidido no dedicarme a la traducción a fin de salvar mi matrimonio –dijo–. Había pensado en traducir los poemas de Jorge de Lima, pero no sabía cómo.» Se secó la humedad del labio superior con un pañuelo de papel arrugado. «Pensé que tal vez una traducción debía sonar como una traducción, de modo que el lector supiera que aquello que estaba leyendo tenía una vida anterior en otra lengua y no había sido concebido en inglés. Pero no era capaz de escribir en un estilo que hiciera pensar al lector que lo que estaba leyendo era mejor cuando aún no había pasado por mis manos. Dignificar el poema a costa de la traducción me parece un procedimiento tan perverso como borrar el original con una traducción. No sólo eso», dijo, mientras secaba mi labio superior con el pañuelo, y me acariciaba la mejilla con el dorso de su mano, «sino que si el idioma poético dominante de una época determina cómo ha de traducirse un poema (y en general es así), también ha determinar qué poemas deberían ser traducidos. Es decir, en un periodo dominado por un estilo coloquial y de bajos vuelos, las formulaciones barrocas y exhibicionistas no están bien vistas. Así pues, ¿qué debería hacer un traductor? ¿Debería adoptar un estilo antiguo? ¿O ello resultaría en una parodia de la vitalidad, candor y naturalidad del original? Aunque Jorge de Lima es un poeta del siglo veinte, su variedad de modernismo está pasada de moda y no encaja bien con la poesía que se escribe hoy en día. Hasta donde se me alcanza, con sus poemas no se puede hacer nada.» Y acto seguido echó a andar por la calle hasta esfumarse.

IV

Para huir de este parloteo incesante sobre traducción, me fui a acampar solo en el sur de Utah. Estaba a punto de encender la hoguera cuando un hombre desnudo de cintura para arriba salió de la tienda vecina, se incorporó, y comenzó a cortarse las uñas. «Usted no sabe quién soy –dijo–, pero yo sí sé quién es usted.»

«¿Quién es usted?», pregunté.

«Me llamo Bob –dijo–. He pasado los veinte primeros años de mi vida en Pôrto Velho y creo que Manuel Bandeira es el gran poeta desconocido del siglo veinte. Desconocido, claro está, en el mundo de habla inglesa. Quiero traducirle.» Luego entrecerró los ojos. «Enseño portugués en la Universidad del Sur de Utah; el portugués es una lengua muy necesaria ya que pocas personas saben que existe. Esto no le va a gustar, pero la poesía norteamericana contemporánea no me interesa y no veo por qué esta circunstancia debería impedirme traducir poemas. Siempre puedo conseguir que uno de los poetas locales le eche un vistazo a lo que he hecho. Para mí, lo que importa es el significado.»

Aturdido por sus cejas perfiladas y su fino bigote, le respondí en un tono algo injusto: «Ustedes, los profesores de lengua, son todos iguales. Poseen un conocimiento de la lengua original y tal vez cierto conocimiento del inglés, pero eso es todo. Lo más probable es que sus traducciones sean versiones literales sin resonancia ni personalidad poéticas. Ustedes son los primeros en declarar la imposibilidad de traducir, pero menosprecian cualquier intento de reducir esa dificultad.» Y acto seguido guardé mis cosas, deshice la tienda y regresé a Salt Lake City.

V

Estaba en la bañera cuando Jorge Luis Borges tropezó con la puerta. «Tenga cuidado, Borges –grité–. El suelo es resbaladizo y usted está ciego.» Luego, mientras me enjabonaba el pecho, le dije: «Borges, ¿alguna vez se ha parado a pensar en lo que supone en una afirmación como ‘Traduzco a Apollinaire al inglés’ o ‘Traduzco a De la Mare al francés’? ¿Es decir, que tomamos la obra fuertemente idiosincrásica de un individuo y la vertemos a una lengua que pertenece a todos y a nadie, un sistema de significados tan general que permite no sólo malentendidos sino que se ponga en duda la posibilidad misma de permitir algo más?»

«Sí», me dijo, con aire resignado.

«¿Entonces no piensa –le dije– que es mejor dejar la traducción de poesía a aquellos poetas que sean dueños de un inglés que ellos mismos se han forjado, y que los profesores de lengua, que se sienten responsables de la lengua no en sus alteraciones sino en su totalidad monolítica, son los peores traductores? ¿No sería mejor concebir la traducción como una transacción entre idiomas individuales, entre, digamos, el italiano de D’Annunzio y el inglés de Auden? Si lo hiciéramos, podríamos acabar con esas discusiones irrelevantes sobre quién ha hecho una traducción correcta y quién no.»

«Sí», dijo. Parecía entusiasmarse.

«Digamos, pues –le dije–, que si la traducción es una suerte de lectura, la asunción o transformación de un idioma personal en otro, ¿no sería posible entonces traducir una obra escrita en la propia lengua de uno? ¿No sería posible traducir a Wordsworth o Shelley a Strand?»

«Descubrirá usted –dijo Borges– que Wordsworth se niega a ser traducido. Es usted quien debe ser traducido, quien debe convertirse, por mucho tiempo que le lleve, en el autor de El Preludio. Esto fue lo que le sucedió a Pierre Menard cuando tradujo a Cervantes. Él no quería componer otro Quijote (lo que sería fácil), sino el Quijote. Su admirable ambición era producir páginas que coincidieran –palabra por palabra y línea por línea– con las de Miguel de Cervantes. El método inicial que concibió era relativamente sencillo: aprender bien el español, abrazar de nuevo la fe católica, guerrear con los moros y los turcos, olvidar la historia europea entre 1602 y 1918, y ser Miguel de Cervantes. Componer el Quijote a comienzos del siglo diecisiete era una empresa razonable y necesaria, tal vez inevitable; a comienzos del veinte era casi imposible.»

«No casi –le dije–, sino totalmente imposible, pues a fin de traducir uno debe dejar de ser.» Cerré los ojos un segundo y me di cuenta de que, si dejaba de ser, nunca podría saberlo. «Borges…» Estaba a punto de decirle que la fuerza de un estilo debía medirse por su resistencia a ser traducido. «Borges…» Pero cuando abrí los ojos, él y el texto al que había sido llamado llegaron a su término.

*

Mark Strand (Prince Edward Island, Canadá, 1934) es uno de los principales poetas estadounidenses. Autor de una decena de poemarios, obtuvo en 1999 el Premio Pulitzer con Blizzard of One (1998; Ventisca de uno). Este ensayo, originalmente publicado en su libro de poemas The Continuous Life (1990; La vida continua), ha sido recogido con posterioridad en The Weather of Words (Alfred A. Knopf, 2001; El clima de las palabras), reciente compendio de su obra crítica.

En España han aparecido dos notables muestras de su poesía: Aliento, edición de Julián Jiménez Heffernan, 4 Estaciones, Lucena, 2004; y Sólo una canción, selección, traducción y prólogo de Eduardo Chirinos, Editorial Pre-Textos, Valencia, 2004. Precisamente en el volumen de Pre-Textos se incluye una traducción de la sección quinta de este ensayo, aunque mi lectura se aparta en varios puntos de la de Chirinos.

Afiche del Foro Internacional Conmemorativo. Facultad de filosofia Universidad de La Laguna. Islas Canarias - España, 2009. Arte Leo Lobos.

2009-11-26T13:47:00.000-08:00

poema de Jiddu Saldanha (Brasil, 1966)

2009-10-30T07:54:00.000-07:00

Dos crisálidas

Por Jiddu Saldanha

*

Traducción al castellano

Leo Lobos

*

Lágrima de gratitud

ver en la mirada del poeta

frío de mayo

El poema atraviesa

paredes imaginarias

dos crisálidas

En el encanto de la noche

una voz susurra

el aullido de la Luna

Gotas de lluvia

desaguan invisibles

transparencias

Sobre el papel

duerme en calma el pincel

hojas al viento

*

Santiago de Chile, mayo de 2009.

José Emilio Pacheco - poesía desde México

2009-10-27T11:54:00.000-07:00

Exodo

En lo alto del día

eres aquel que vuelve

a borrar de la arena la oquedad de su paso;

el miserable héroe que escapó del combate

y apoyado en su escudo mira arder la derrota;

el náufrago sin nombre que se aferra a otro cuerpo,

para que el mar no arroje su cadáver a solas;

el perpetuo exiliado que en el desierto mira

crecer hondas ciudades que en el sol retroceden;

el que clavó sus armas en la piel de un dios muerto

el que escucha en el alba cantar un gallo y otro

porque las profecías se están cumpliendo;

atónito y sin embargo cierto de haber negado todo;

el que abre la mano

y recibe la noche.

José Emilio Pacheco

Poeta y ensayista mexicano nacido en Ciudad de México en 1939.

Empezó a brillar desde muy joven en el panorama cultural mexicano, gracias a su dominio de las formas clásicas y modernas y al enfoque universal de su poesía.

Además de poeta y prosista se ha consagrado también como eximio traductor, trabajando como director y editor de colecciones bibliográficas y diversas publicaciones y suplementos culturales. Ha sido docente universitario e investigador al servicio de entidades gubernamentales.

Entre sus galardones se cuentan: Premio Nacional de Poesía, Premio Nacional de Periodismo Literario, Premio Xavier Villaurrutia, Premio Magda Donato, Premio José Asunción Silva en 1996,el Premio Octavio Paz en el año 2003, el Premio Federico García Lorca 2005, el Premio Iberoamericano de Poesía Pablo Neruda en 2004 y la XVIII edición del Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana en 2009.

De su obra poética se destacan: «Los elementos de la noche» en 1963, «El reposo del fuego» en 1966, «No me preguntes cómo pasa el tiempo» en 1969, «Irás y no volverás» en 1973, «Islas a la deriva» en 1976, «Desde entonces» en 1980, «Trabajos en el mar» en 1983, y «El silencio de la luna» poemas de 1985 - 1996.

Domingo Acosta - poesía desde Islas Canarias, España

2009-09-23T09:57:00.000-07:00

A Leo Lobos

El horror es un hijo del verdugo

y el grito de la víctima;

dolor que no rompe su mordaza

ni el cepo de los siglos.

Oh corazón de estrellas y de arena

¿de qué pueblo es esta sangre?

¿con qué dicha sanaremos?

A Angélica Santa Olaya

Me gustaría ser una persona

con un instinto razonable,

vivir como una especie diferente,

no siento casi nada como ellos.

Y aunque el dolor injusto sea casi todo femenino

o digan que está lejos,

también es mío, sí,

también el otro, por supuesto,

duele en el alma y en las huellas,

donde el futuro no es pasado

y te avergüenza.

De: Del mar de nadie, libro en preparación del poeta Domingo Acosta (La Palma, Islas Canarias, España, 1957). Arte: Leo Lobos.

Chris Herrmann - poesía desde Alemania

2009-08-06T06:17:00.000-07:00

Haikus

Por Chris Herrmann

Traducción al castellano y arte por Leo Lobos

Abrazando las aguas,

el volcán se distrae con el cielo

apunta la acuarela.

Silencio en el árbol

la alegoría de los colores

emplumando el paisaje.

Barquito revela

sus deseos más profundos

en las olas del mar.

Un cocotero cae.

Cae sonriendo al duro suelo

es haiku maduro.

La araña teje

su red de sueños

luego duerme.

Una garza blanca

vino al sueño del niño

balanceando el cielo.

La luz de tu fuego

anochece al demonio,

amanece a dios.

La semilla cae.

Olvidándose del dolor

vuelve a disfrutar.

Y recae una gota

de sol en su corazón:

haiku de verano.

La nostalgia corta

la luna llena en dos

: mitades vacías.

Chris Herrmann (Río de Janeiro, Brasil, 1963). Christina Herrmann estudio Artes en la Universidad Federal de Río de Janeiro, Marketing y Publicidad en la Escuela Superior de Propaganda y Marketing de Río de Janeiro, Administración Básica de la Fundación Getúlio Vargas, música y piano en el Conservatorio Brasileño de Música de Río de Janeiro. Además de estudios de webdesign y de idiomas como alemán, inglés, italiano, castellano y esperanto. Ha participado en antologias en Brasil, España y los Estados Unidos. Entre ellos, 5 libros en colaboración con Ademir Bacca, fundador y director del Congreso Brasileño de Poesía, en la ciudad de Bento Gonçalves, en el Estado Rio Grande do Sul, Brasil, los años 2006 y 2007. Ha publicado el libro: Voos de Borboleta (Vuelos de Mariposa), una colección con 178 haikus en portugués, Italiano y esperanto, publicado por la editora Protexto en Brasil, el que será presentado este año en Alemania. Su obra ha sido traducida parcialmente al alemán, castellano, italiano, inglés y esperanto. La presente selección y traducción de Leo Lobos de haikus de Chris Herrmann, ha sido preparada especialmente a solicitud del multi-artista brasileño Jiddu Saldanha, para la preparación de un proyecto audiovisual bajo su dirección y producción ejecutiva. El libro de Chris Herrmann se puede adquirir a través de esta dirección de la editorial Protexto: http://www.protexto.com.br

Antonio Arroyo Silva

2009-07-21T08:09:00.000-07:00

CONVERSACIÓN TRAS EL OTOÑO

(…)” Madre que canta y encanta, que entona la voz junto a la cuna, en la proximidad ante todo corporal, contacto de la piel en sus caricias, saboreo de pecho maternal. Lo primero, oír la voz, no saber qué significa, no ver nada, pero sentirse atraído por esa nada, misterio de la palabra tan pronto dicha como disuelta en el ámbito de la sombra, todavía difícilmente reconocible, del propio dormitorio un sueño en que caer.”(…) Jorge Rodríguez Padrón

Así, desde el nacimiento, desde el recuerdo y su raigambre en la palabra poética, nos introduce Jorge Rodríguez Padrón en la poesía de Osip Mandelstam. Las palabras, las verdaderas, las que respiran, duelen cuando nacen en el poema, cuando inauguran la respiración de quien las escribe.

Dicen que el dolor más profundo es el de nacer, pero al mismo tiempo el más íntimo porque une a la madre para siempre (en el dolor) y por ende a toda la humanidad. He aquí una parte en el dolor humano como declamaba Domingo Rivero. Compartir el dolor, desasirse para inaugurar el mundo de las sensaciones primeras…pero llevar el recuerdo enquistado en el subconsciente y renacerlo en el poema.

Dicen que Danielle Sotto, nuestra insigne estudiosa de la poesía de Pedro García Cabrera y del Movimiento Surrealista en Canarias, estaba en posición fetal cuando la encontraron muerta en su casa. Que “recordó” el momento de su nacimiento, el parto. Dicen que se tomó muy en serio el psicoanálisis, que las consecuencias de éste en el surrealismo y, concretamente, en su persona fueron el detonante de su destino trágico. Es muy cómodo y útil, luego, a partir de estos hechos, crear estereotipos para que los versos salgan de un molde preestablecido. Lo difícil es crear: no lidiar, quedarse en ese momento de la caricia cuando la palabra es apenas un roce de la lengua por el pecho materno, como dice Jorge entre otras cosas. Qué gran sabiduría la de esta persona, que ha renunciado a su palabra poética (dice) para dialogar con el viejo Osip en dos días de otoño. Conmigo también lo ha hecho. Cuántas veces me ha tirado de las orejas en sus cartas cuando mi camino se iba por los derroteros antes mencionados. Nunca me dijo:”esto es así o así.”Sólo: “el poeta eres tú: asúmelo o déjalo” Bastó con eso pero qué ternura aprecio en sus palabras. Él me enseñó a ponerme los zapatos de la Madre Tierra para ocupar mi territorio (mi habitación) y a defenderlo contra el enemigo más contumaz y encarnizado que soy yo mismo.

Quien no quiera oír el silencio detrás de sus palabras, que no lo oiga; pero que se quede ciego y sordo. Que no saboree ni huelle ni huela. Está en posición fetal, no como Danielle, sino como sí mismo.

Antonio Arroyo Silva,

Sardina, 24 de junio de 2009

Antonio Fernando Arroyo Silva nació en Santa Cruz de La Palma el 21 de septiembre de 1957, isla de La Palma, Canarias, España. En dicha ciudad hizo sus estudios de Primaria y Bachillerato. Es licenciado en Filología Hispánica por la Universidad de La Laguna. Actualmente es profesor de Lengua y Literatura Castellanas en el Instituto de Enseñanza Secundaria de Santa María de Guía desde hace más de veinte años.

HILDA HILST - poesía desde Brasil

2009-06-19T07:07:00.000-07:00

Hilda Hilst

Traducción Leo Lobos

A la memoria de mi amigo José Luis Mora Fuentes.

A Lúcia Gönczy.

"Mis poemas nacen porque precisan nacer. Nacen del inconformismo. Del deseo de ultrapasar la Nada. Las emociones sentimentales raramente inspiran mi poesía que casi siempre surge de un problema mayor - el problema de la muerte, no en el sentido metafísico de todo cuanto pueda ocurrir después de acontecida. Lo que hace nacer a mi poesía es la no aceptación de que un día la vida se diluirá y, con ella, el amor, las emociones del sueño y todas esas fuerzas potenciales que viven dentro de nosotros."

Hilda Hilst

Pienso linos y ungüentos

para el corazón herido de Tiempo.

Pienso vasijas y patios

Por la conmoción de contemplarlos.

(Y de verte allí

A la luz de la geometría de tus actos)

Te pienso

Pensándome en agonía. Y no estoy.

Estoy apenas densa

Recogiendo el aroma, el paso

El refulgente de ti que me resto.

Cazuza

2009-04-09T07:36:00.000-07:00

Blues de la piedad

Por Cazuza / Roberto Frejat

Versión al castellano por Leo Lobos

Ahora yo voy a cantar para los miserables que vagan por el mundo derrotados

A esas semillas mal contadas que ya nacen con cara de abortadas

Para las personas de alma bien pequeña revolviendo pequeños problemas

Queriendo siempre aquello que no tienen

Para quien ve la luz mas no ilumina sus mini certezas

Vive contando dinero y no muda cuando hay luna llena

Para quien no sabe amar vive esperando alguien que quepa en sus sueños

Como várices que van aumentando como insectos alrededor de la lámpara

Vamos pedir piedad Señor piedad para esa gente careta y cobarde

Vamos a pedir piedad Señor piedad les de grandeza y un poco de coraje

Quiero cantar para las personas débiles que están en el mundo y perdieron el viaje

Quiero cantar los blues con pastor y un bombo en la plaza

Vamos pedir piedad porque hay un incendio bajo la lluvia rala

Somos iguales en desgracia

Vamos a cantar un blues de la piedad

Vamos pedir piedad Señor piedad

Para esa gente careta y cobarde

Vamos pedir piedad Señor piedad

Les de grandeza y un poco de coraje

Para quien no sabe amar vive esperando alguien que quepa en sus sueños

Como várices que van aumentando como insectos alrededor de la lámpara

Vamos pedir piedad Señor piedad

Para esa gente careta y cobarde

Vamos pedir piedad señor piedad

Les de Grandeza y un poco de coraje

Grandeza y un poco de coraje

Más de grandeza y un poco de coraje

Notas y comentarios del traductor

En los inicios de los años 80, un garoto dorado de Ipanema sorprendió el escenario musical brasileño. Al frente de una banda de rock llena de garra, comenzó a dar voz a los impulsos de una juventud ávida de novedades. Él era Cazuza, era la gran novedad. El Brasil salía de un largo ciclo dictatorial y vivía un clima de democracia aún incipiente, pero suficiente para liberar las energías contenidas. Cazuza desempeño un papel importante en ese proceso. Y cuando las miserias y problemas nacionales se fueron desnudando, él respondió sin medias palabras. La expresión de su rechazo delante de este cuadro sólo puede ser comparada al coraje con que lucho por su vida, en el enfrentamiento público de su Aids. Lecciones de indignación y de dignidad; de cómo llevar la vida en el arte y "ser un artista comprometido con nuestra convivencia”.

Lo poco que vivió fue fructífero, Cazuza dejó una obra para perdurar. Bebió en la fuente de la tradición viva de la MPB (música popular brasileña) para recrear, en un portugués actual y espontáneo, lleno de expresiones del cotidiano, y en un estilo marcadamente personal, la poesía típica del rock. Con justicia, fue llamado: el poeta de su generación. En la definición del diccionario, "cazuza" es un véspido solitario, de armadura dorada, su padre comenzó a llamarlo así desde el momento que se enteró que Lúcia su mujer esperaba un hijo. Nacido el 4 de abril de 1958, en Río de Janeiro, Cazuza fue criado en Ipanema, habituado a la playa. Que él amase a Jimi Hendrix, Janis Joplin y los Rolling Stones, todo bien. Pero venir a saber que se drogaba y que era bisexual, eso, para la súper mamá Lúcia, no fue nada fácil. Así como no fue, para el padre, tener que librarlo de prisiones y fichas en la policía, por porte y uso de drogas.

Roberto Frejat, guitarrista; Dé, bajista; Maurício Barros, teclados; Guto Goffi, baterista. Era 1981 y esos garotos precisaban de un vocalista para completar su banda: Cazuza y la historia comenzaría. Rápidamente el grupo, que se llamaba Barão Vermelho (barón rojo) que sólo tocaba covers, comenzó a componer y preparó un repertorio propio. Importante referencia literaria de Cazuza, al lado de Clarice Lispector (cuyo libro "A descoberta do mundo" se torno su libro de cabecera), Jack Kerouac también tuvo un poema transcrito en la contra capa de uno de sus discos. En octubre de 1987, después de una internación en una clínica de Río, Cazuza fue llevado por sus padres para Boston, en los Estados Unidos. Allá, pasó casi dos meses críticos, sometiéndose a un tratamiento con AZT. Al volver, grabo "Ideología" en los inicios de 1988, un año marcado por la estabilización de su estado de salud y por su definitiva consagración artística. El disco vendió medio millón de copias. En octubre de 1989, después de cuatro meses siguiendo un tratamiento alternativo en São Paulo, Cazuza viajó nuevamente a Boston, donde quedó internado hasta marzo del año siguiente. Su estado ya era muy delicado y, a esta altura, no había mucho más que hacer. Fue así que él murió, poco después - el 7 de julio de 1990. Su sepultura está localizada en el cementerio São João Batista en Río de Janeiro, próxima a la de astros de la música brasileña como Carmen Miranda, Ary Barroso, Francisco Alves y Clara Nunes.

Recorriendo los caminos del valle de Sorocaba, en Brasil al interior del estado de São Paulo el año 2003 fue la primera vez que escuche a Cazuza, me di un tiempo para escuchar y disfrutar su música detenidamente, al año siguiente se estreno un filme de su vida y obra divulgado por tv y radio. Careta y cobarde dice uno de los versos de esta canción - poema, que es una expresión común en el Brasil para definir a una persona falsa, una máscara. Habla también de la lluvia rala, aquella que cae en la zona de la sierra de los estados de São Paulo y Río de Janeiro, muy fuerte que arrastra mucha desgracia en las comunidades de la costa de esos estados con la crecida de los ríos. Cumplo con esto una promesa que me hice a mi mismo de divulgar y difundir en Chile parte de esta obra marcada por una vida de libertad.

Referencias en la internet:

Cazuza canta: Blues da piedade:
http://www.youtube.com/watch?v=7Oh7WdD1Dpk&feature=channel_page

Cazuza canta ideología en vivo, en Tv O Globo, 1989:
http://www.youtube.com/watch?v=IH3CD2lEUcI&feature=channel_page

Arte de Leo Lobos: Blues da piedade . Chile- 2009

Miguel Serrano in memoriam

2009-03-04T10:34:00.000-08:00

Serrano y el misterio de Chile

Por Cristián Warnken

El Mercurio, Martes 03 de Marzo de 2009

Con Miguel Serrano se acaba una época, una generación y un Chile que, mirado desde nuestra actualidad, nos parece irreal, mítico, casi inexistente. Esta última cualidad era para Serrano -por lo demás- garantía de verdadera realidad. Él fue el que habló siempre " de la flor inexistente, por la que vale la pena dar la vida, porque no existe". Creo que esa frase, que le oí muchas veces decir, resume, mejor que nada, su poética surrealista "sui generis", vivida al pie de la letra y no como manifiesto retórico, como terminó sucediendo con los surrealistas europeos. Artaud, cuando llegó a México escribió que el surrealismo que ellos creían haber inventado en el Viejo Continente, ya existía en la realidad, en las calles, en América. Por eso el poeta Armando Uribe ha dicho que Serrano es el único surrealista de estos lares, un surrealista auténtico, de verdad. No hay ni habrá otro Miguel Serrano. Tal vez en otra galaxia, u otro mundo paralelo, como esos por los cuales él tenía particular devoción.

Es la flor literaria más extraña e inclasificable de la historia literaria del Chile del siglo XX, salvo que queramos usar el cómodo recurso de la caricatura y la simplificación. Pero al mismo tiempo es tal vez el más chileno de los escritores de Chile, aquel que vivió a Chile como misterio y como enigma por descifrar a través de la poesía.

"Ni por mar ni por tierra" se ha convertido en un libro de culto, y lo seguirá siendo por muchas décadas, un poema-memoria en prosa, a la altura de los mejores poemas de Neruda, Mistral y Parra sobre Chile, como documento y respuesta de la palabra a la interpelación de este paisaje que nos excede. Libro favorito de Jorge Teillier, ahí están las claves de muchas de las obsesiones de un Serrano que vivió a fondo la nostalgia por un Chile profundo.

Para resolver ese misterio que le quemó el corazón, Serrano cruzo la cordillera (que para él eran dioses dormidos), el océano y emprendió un viaje iniciático único, buscando respuestas a las preguntas por Chile en su paso por la India, Yugoslavia y en su amistad electiva con Hesse, Jung, Indira Gandhi, el Dalai Lama, el escultor vasco Oteiza y tantos otros.

Serrano es un escritor profundamente religioso, en el sentido más originario de la palabra, un místico disfrazado de memorialista, que buscó nuevos dioses que llenaran el vacío tremendo que le dejara el Dios perdido en la infancia, ése que probablemente recibió por osmosis del entorno familiar (los Huidobro y los Fernández Concha) de un Santiago de comienzos del siglo XX, en las mágicas Santo Domingo o Lira, calles de una ciudad hoy definitivamente borrada del mapa. Huérfano muy niño, Serrano fue también un huérfano literario. Decepcionado de los dioses locales de la literatura (él fue sobrino de Vicente Huidobro), quemó todas las naves para reinventar un estilo, una literatura que no fuera mera copia de modelos foráneos. Eso lo llevó al límite de quemar sus propios libros en los faldeos de la montaña, en un acto poético que revela el intento más radical en nuestro idioma por romper el imposible cerco que separa -desde hace siglos- el arte de la vida. Serrano es el sobreviviente de una generación -la del 38- de fantasmas, jóvenes que vivieron su tiempo y su espacio vital como drama, y que no dejaron prácticamente rastro alguno.

"Nosotros, desde la niñez, hemos sido impelidos a la rebelión y la soledad. Sin pilares firmes, sin puntos de apoyo, cuando todos los valores se derrumbaban y los que aún subsistían eran aún extraños al alma, pudimos sobrevivir por un esfuerzo anormal".

Conversar con él significaba cruzar a la vereda de enfrente de un mundo mítico creado por su imaginación poética, vereda que empezaba en la antigua calle Lira y terminaba en La Ciudad de Los Césares. Hablar con él es hacerlo con Barreto, su alter ego, militante socialista y escritor fallecido prematuramente, asesinado en las calles por la milicias nacionalsocialistas. Serrano siempre sintió en Barreto al doble, al "otro yo" y tengo la impresión que siempre lo buscó con nostalgia imposible, al punto de terminar abrazando la misma ideología de quienes lo asesinaron, paradoja difícil de entender si es que no se lee a Serrano desde sus propias claves. Es lamentable que Serrano no haya continuado escribiendo prosa poética y haya preferido gastar su tinta mágica en panfletos de dudosa calidad, muy por debajo de su genio poético. Los grandes creadores son también sus contradicciones, errores y pasiones. Está Neruda con su insoportable "Oda a Stalin" y él y tantos intelectuales de izquierda con su silencio culpable frente a las masacres del siglo XX. Está Serrano con su irredimible lealtad a un nazismo trasnochado.

La lealtad -su gran virtud- fue también su gran defecto. Lo admiré y lo estimé desde la diferencia, como si hubiera encontrado en él a un amigo fuera del tiempo. A las 9.50 de la mañana del 28 de febrero, cuando sentí los truenos y relámpagos que caían sobre la cordillera, mientras él partía, no pude dejar de sentir que nuestra geografía (esa novia mística, hermosa, potente y frágil que tanto amó) le daba el adiós que él hubiera querido escuchar, más que la gloria literaria, que nunca buscó y que él mismo se encargó de arruinar con su adhesión y lealtad a lo imposible.

arte por Leo Lobos. Serie COLOR MINERAL - 2009

Francisco Véjar desde Teruel - España

2008-10-08T10:17:00.000-07:00

JOEL DIAS-PORTER - poesía desde Estados Unidos

2008-09-26T08:43:00.000-07:00

Al amanecer

(B-Bop Solo # 2)

Podríamos entrelazarnos,

sólo necesitamos

de nosotros mismos.

Una magia al amanecer,

cantada por los pájaros,

acariciada por susurros.

Podemos respirar

en la sincronización

en la necesidad

de un ritmo.

El anagrama del silencio

nos deletrea

¿De qué cartas salvajes

está hecho nuestro abrazo?

una explosiva carta,

el sonido inicial casi

sagrado de cualquier palabra

acariciada por susurros.

Podríamos zumbar como abejas

en la necesidad

de una canción de miel.

un sonido de caricia,

ahora situado más cerca.

Podríamos buscarotras bocas,

que necesitan de la lengua

para la oración final.

¿Qué sílabas serán santificadas?

¿Qué sonido sagrado pronunciarán?

¿Qué palabra será adorada como un culto?

Se podría susurrar

"¡OH, Dios"

en necesidad de aire

en gritos de mágico asombro.

Besarnos ahora,

entrelazarnos podríamos,

en necesidad de más calor.

Nuestro sudor se une,

en enérgicos hechizos.

¿Qué lugar

dispara

ese primer gemido,

más sagrado

que cualquier palabra?

publicado en: http://renegadesblog.blogspot.com/2008/08/new-tune.html#comments

Translated by Leo Lobos

Leo Lobos (Santiago of Chile, 1966) poet, essayist, translator and Chilean visual artist. Unesco-Aschberg Laureate for literature 2002. He has done residences in major creative artistic cultural centers in France and Brazil.

Ezra Pound por Leo Lobos

2008-09-12T06:21:00.000-07:00

Ezra Pound

La primera fuente de la dicción poética de nuestra época.

Por Leo Lobos

No hay nada tan fácil de destruir como la vida de un artista. No hay nada tan difícil de destruir como su obra con estas pertinentes palabras del polifacético artista costarricense Max Jiménez (1900-1947), iniciamos este homenaje desde el Archipiélago de América Latina al poeta Ezra Pound, autor de una amplísima obra que, con el paso del tiempo se ha convertido en imprescindible guía de la poesía actual y maestro insustituible para las nuevas generaciones de poetas. Tras agitada vida el poeta Ezra Pound muere el primer día de noviembre de 1972 en Venecia, la misma ciudad, en la Italia que tanto amó, donde 64 años antes publicará “La Lume Spento” (1908), su primer libro de poesía.

El caso de Pound es ilustrativo de esta época desquiciada, corrompida por el culto al dinero como medida de todas las cosas, del odio al pensamiento, del desprecio por la cultura. Ezra Weston Loomis Pound, poeta, ensayista, traductor, músico y critico perteneciente a la Lost Generation -“generación perdida”- que predicó fogosamente el rescate de la poesía antigua para ponerla al servicio de una concepción moderna, conceptual y al mismo tiempo fragmentaria, nació en Hailey, Idaho, en el Medio Oeste de los Estados Unidos, en 1885.

Un anticipo del libro en preparación, para los amigos-lectores. Texto y Arte por Leo Lobos

José María Memet - poesía chilena

2008-02-07T13:36:00.000-08:00

La misión de un hombre

Un hombre es un hombre

en cualquier parte del universo

si todavía respira.

No importa que le hayan

quitado las piernas

para que no camine.

No importa que le hayan

quitado los brazos

para que no trabaje.

No importa que le hayan

quitado el corazón

para que no cante.

Nada de eso importa,

por cuanto,

un hombre es un hombre

en cualquier parte del universo

si todavía respira

y si todavía respira

debe inventar unas piernas,

unos brazos, un corazón,

para luchar por el mundo.

(del libro: Bajo Amenaza, 1979) © José María Memet

José María Memet Nació en Neuquén, Argentina, en 1957 y se nacionalizó chileno en 1970. Ha publicado varios libros, entre ellos "Poemas crucificados" (1977); "Bajo Amenaza" (1979); "Los gestos de otra Vida" (1985), "Amanecer sin dioses" (1999) y hace poco "El rastreador de lenguajes" (2005).

Es responsable de la creación de Chile Poesía, encuentro internacional de poetas, evento que ha tenido una importante repercusión en la vida cultural de este país.

Edición y arte por Leo Lobos, Ciudad de La Serena, febrero de 2008.

un poema homenaje a Alejandro Jodorowsky

2008-01-05T16:50:00.000-08:00

Cine Jodorowsky
- poema inédito de Leo Lobos -

Aquí estoy en el cine Jodorowsky

la función ha comenzado en total oscuridad

soy un topo

la santa sangre

el desierto del norte

la ciudad de Tocopilla

la musica va

y el cine

entero

conmueve

Santiago de Chile enero de 2008 del libro inédito: Shadowy times por Leo Lobos

Los poetas Mario Benedetti y Sergio Ojeda

2007-11-30T06:42:00.000-08:00

Lucia Gonczy - poesía desde Sao Paulo, Brasil

2007-11-21T05:07:00.000-08:00

Gracias

Por la paz y la tormenta

gracias

por la forma simple de ser

y por la palabra que no calla

gracias

gracias por la distancia

gracias por la ausencia

gracias por el silencio

gracias por destruirme

y así

haciendome cenizas

resucitarme

Lucia Elisabet Gonczy es poeta paulista, vive y trabaja en SP, Brasil.

Traducción y arte por Leo Lobos.

Franklin Alves - poesía desde Brasil

2007-11-19T05:41:00.000-08:00

1. Los peces escriben

posibilidades:

mar es piel

se multiplican

se escaman

en otras texturas

incluso en

sangre

surco

2. Los peces escriben

salmos:

la piel es página-

dorso rayado

azul tinta

cielo - sangre

blanca

3. Los peces cometen suicidios ajenos

se deslizan por la llanura roja de otro desierto

Nadan con agallas gastadas

cuando quieren nos visitan

Los peces en su sueño de vivos,

Dibujan letras en el mar-

Fotografiamos todo

siempre al pensar

roja

4. Los peces, cardumen de

incertidumbre, ciñen el

corazón: muro vivo de

escamas

Posibilidades

Aceleraciones

Taquicardias

Bombean sangre

y estallan

en un desierto

de voluntad

5. Los peces multiplican

los peces

Dobles de sí

estallan certezas

se escaman en otros

peces:

son escamas

páginas

surcos y todos nosotros

Franklin Alves, poeta y ensayista, nació en Río de Janeiro, donde cursa la maestría en Letras. Autor del libro inédito de poemas Céu Vermelho. Traducción y arte por Leo Lobos.

Roberto Piva - Cláudio Willer - poesía desde Brasil

2007-11-05T10:52:00.000-08:00

Un poema de Roberto Piva
(São Paulo, Brasil 1937), de su libro inédito Extrañas señales de Saturno:

............... El Marqués de Sade

............... & la Marquesa de Santos

caminan al jazz de los crepúsculos

recordando ciertas iluminaciones

ciertos espasmos

ciertos actos visionarios

gritando sus triunfos en la

............... oscuridad

Un poema de Cláudio Willer
(São Paulo, Brasil 1940), publicado en Anotações para um Apocalipse - Anotaciones para un apocalipsis, 1964:

I

La Fiera volverá, con su rostro de trenzas de plata, desnuda sobre el mundo. La Fiera volverá, metálica en la convulsión de las tempestades, musgosa como la noche de los jarrones de sangre, fría como el pánico de las arenas menstruadas y la ceguera fija contra un reloj antiguo. Un sueño asírio, es nuestra dimensión. Un cráneo amargo, velando con la inconstancia del sarcasmo en medio de emboscadas de insectos, un cráneo azul y surcado, a la ventana en los momentos de espera, un cráneo negro y fijo, separado de las manos que lo amparan por tubos y esfumando los bronquios de la memoria - así se solidificaran las vertiginosas jugadas sobre el barro divino. El incesto es una tempestad de lunas gelatinosas y la más bella aspiración de los miembros disociados. En cada órbita una avalancha de campanas fértiles y de arcángeles terrestres por la sombra. El incesto es el sueño de una matriz convulsiva y la más profunda ansia de las cigarras. Vulvas de cemento armado y urnas ensangrentadas, vaginas impasibles contra un cielo de veludo, guardianes de océanos imposibles. Millones de láminas sirven de puente para los deseos obscuros - la más afilada traba a nuestra Verdad.

traducción y arte por Leo Lobos

En esta dirección pueden ver y escuchar a los poetas brasileños Roberto Piva, Afonso Henriques Neto y Cláudio Willer http://www.youtube.com/watch?v=to5_jnWtIf8

Ingmar Bergman (1918-2007) homenaje desde Chile

2007-08-08T09:31:00.000-07:00

“el talento se forja en la soledad el carácter en el bullicio” Goethe

El miedo realiza lo temido

Los tejados están blancos

nieve cae lentamente

un reloj da alguna hora

tal vez duerma

quizás sólo haya dado el corto paso de la realidad

reconocida a la otra realidad

cierro los ojos

creo que cierro los ojos

hay alguien en la habitación

soy yo de pie contemplándome a mi mismo

sentado en el sillón contemplándome

de pie sobre la alfombra

es el punto final, no hay regreso

el miedo realiza lo temido

Ingmar Bergman

quedó petrificado de pena.

por Leo Lobos

Santiago de Chile

julio de 2007

Lucia Gonczy - poesía desde Sao Paulo, Brasil

2007-06-08T10:28:00.000-07:00

* Indistintas Imagens formam-se Empoeiradas belezas vem ao meu encontro em Olhares e Versos Invertendo lentes tristes em Alegria e Constância Nova Paz Nova Luz Novo Querer Em tudo me contentas Não retornes Ansiedade; vivo melhor assim Desejo o que agora envolve-me... Voce Azul Violeta Tons Sons Magia

a Márcio Carvalho

2007-02-22T09:38:00.000-08:00

“el sopor, el tormento el aullido del tiempo… las flores fuera del agua… septiembre ya no existía la primavera se había disuelto en el viento”

Márcio Carvalho

¿A dónde van los sueños de los muertos? En la redonda claridad de una gota de lluvia se aloja la primera escama del pez el posible pétalo de una rosa y el cigoto que se multiplica en hombre; pero el agua que hoy resbala por mi ventana no puede devolverme la sonrisa ni el calor de la mano de mi amigo. Lluvia mentirosa, no tienes la llave de la puerta donde habitan los abrazos ni el apretado crujir de corazones lamiéndose como perros desvalidos en medio de la tormenta. Ahora sólo existe la tormenta, Navaja voladora que corta la tarde rasgando la palabra que espera la señal del sol. Las cicatrices y los venenos han quedado atrás en el fondo del jarrón con las flores de plástico. Las hojas secas adornaron el borde del poema y destilaron su savia en el cuenco de unos ojos hechizados por la magia que parió el silencio. Afuera, los gatos han guardado los maullidos debajo de una teja y la noche cerró, por fin, la boca. Sólo queda la lluvia que moja las desnudas paredes y diluye el barro del iluminado portal de los hombres. Quiero creer que los sueños de los muertos pueden tomar, también, el tren de regreso a casa. Angélica Santa Olaya

poeta mexicana

Ricardo Pochtar - poesía desde Argentina

2006-12-28T08:15:00.000-08:00

Rapsodia

Todas las noches serán

la misma noche

y el tiempo un vasto

tapiz donde los mismos

hilos urdirán

cada vez

seres distintos

toda gota del río

un río distinto

y cada pez en el agua

un mismo pez

fingiéndose distinto

en cada anzuelo

la misma llama volviendo

a encenderse en cada

vela la misma muerte

intentando nacer

en cada vida

Ricardo Pochtar (Buenos Aires, 1942), en España desde 1976. Estudió filosofía en Argentina y Francia. Traductor del francés, inglés e italiano, ha traducido Zibaldone de Leopardi y El nombre de la rosa de Umberto Eco. Ha publicado Lugar diseminado (Buenos Aires, 1993) y Clinamen (Gijón: Ediciones Trea, 2006), de donde son estos poemas. Hay otros textos suyos en Rosa cúbica y Literastur. Reside en Gijón, Asturias. Para leer más poemas de Ricardo Pochtar ver LA CITA TRUNCA del escritor Jorge Etcheverry :

http://etcheverry.info/hoja/actas/poesia/article_796.shtml

Gerardo Lino - poesía desde Puebla, México

2006-12-22T09:09:00.000-08:00

[para Leo Lobos y sus amigos]

Y peor si la fea presume integridad. Si no fuera que los niños miran el codo, cinturas elevadas, sombras largas, pedazos de mayores, incestos aislados, el boquete de la barda, ramas, rincones, por su rompecabezas andan sin fijarse, quitados de la pena, y lo armaran con esas minucias, renunciarían al Juego, dejarían a sus dueños al ver entera la ciudad con todas sus piezas deformes. (Consta en raros mapas) Si no fuera que una mujer cuida su paso diseñando la huella consiguiente, esparciendo su modo de sentarse, de silbar, discierne las horas, distribuye labores, matices, y centrara en su centro demiúrgicas fuerzas, cerraría con llave, tapiaría dos ventanas para largarse de una vez al sentir su abúlica ciudad que no le corresponde. (La ignoran los resúmenes anuales) Si no fuera que un hombre se levanta con mañanas que le miden minutos, aprisa, aprisa, sin cuello que perder, coleccionando asuetos demasiado tarde, y vendiera su diablo a las comidas, estallaría gozoso con valijas y triques, cajas amarradas, el boleto de ida al recordar la menudencia de ciudad que lo atosiga. (Mas Ñuñoa ostenta su apodo entrañable) Si no fuera el mejor clima del mundo, arraigo secular, dignos detalles, el terruño… Se cree linda la ciudad pues el oriundo es madre.

Gerardo Lino vive en Puebla - México y nos ha enviado especialmente este poema donde nos habla de Ñunoa. La imagen que le acompaña es de Alejandro González les sugiero ver más de ellas en: http://www.monogonzalez.blogspot.com/

Leopoldo María Panero (Madrid, España 1948)

2006-12-15T12:38:00.000-08:00

Leopoldo María Panero.
Cópula con el cadáver de la poesía
Texto, bibliografía e investigación
por Francisco Javier Casado

Leopoldo María Panero (Madrid, 1948) está muerto (“Compro el periódico y leo sin asombro/ que ayer he muerto”; “decidí morir hace mucho, en el setenta y siete”). Leopoldo María Panero, poeta terminal (como lo fueran Rimbaud, Lautrèamont, Blake, Bataille, Artaud, Baudelaire…), hijo y hermano de literatos, narrador de cuentos imposibles, ensayista desequilibrante, actor en películas sobre sí mismo, esquizofrénico, suicida, vagabundo, alcohólico..., ha hecho lo que sólo unos pocos elegidos, particularmente temerarios, pueden llevar a cabo: mezclar vida y literatura, y vivir para contarlo. Pero Panero fue tocado por el único dios que arranca todas las máscaras: la muerte. Panero está muerto y en su alma –que no existe– anida ahora la sabiduría de los muertos (“El mundo duerme, mientras que los pocos que hemos despertado preparamos la gran obra de su destrucción”).

No nos engañemos, conjeturar sobre Panero por indicios físicos, reales, es en vano. De nada sirve subrayar que sus poemas han sido –y serán– incluidos en las más importantes antologías de poesía castellana, que a sus cincuenta y tantos años cuenta con una biografía publicada de más de 400 páginas, que las nuevas –y no tan nuevas– generaciones de paneristas secretos lo reivindican como si les fuera la vida en ello, que los premios y homenajes seguramente le lloverán cuando su cuerpo ya no “estorbe”. Poco sacaremos en claro insistiendo sobre temas tan trillados como su itinerario de manicomios, sus amantes, sus arrestos, su daño, su madre, su holocausto particular que es la psiquiatría. De su torpe biografía sólo quedará un hombre que eligió la muerte en vida para despertar del sueño de los inocentes. En una sociedad embustera hasta la médula, únicamente el eco desquiciado de su poesía tendrá derecho a juzgarlo (“hace falta morir, hace falta morir para amarte más y más, mujer sin nombre”).

Los callejones de la poesía –la verdadera, la que quema y es témpano de nada– son de las pocas vías puras que quedan para escapar de esta urbe alienante en que sobrevivimos. La obra de Panero posee una profundidad lírica inaudita, lacerante, explosiva. Nos salva al tiempo que nos condena. Su trascendencia es indiscutible, pero tiene un achaque imperdonable para los Señores de la polis: el tabú perpetuo. La sociedad margina todo aquello que le incomoda ignorándolo directamente, o maquillándolo a su gusto con bonitas etiquetas comerciales como la de “escritor maldito”. En el momento en que el poeta se convierte en espejo inaguantable de las miserias humanas, que se revela contra el sistema de mentiras establecido, que subvierte normas de decoro y buen gusto; en el instante en que el artista comete “ese crimen moral al que sólo se llega por escrito” (como dice el propio Panero parafraseando a Sade), sabe que está “muerto”, que nunca llegará al gran público. Su sino son la soledad y el más completo fracaso (o la victoria aterida, silenciosa, entre malvas y gusanos).

Leopoldo María Panero, ángel fracasado, niño muerto de la literatura, trovador zombi, hace tiempo que rasgó el velo del fin del mundo, fondeó los abismos de Nevermore, nadó más allá de lo que ningún hombre vivo pueda concebir, y volvió para narrarnos, en una hemorragia de cantos, su viaje (que tarde o temprano también será el nuestro).

Sus últimos poemas son epitafios. En sus libros más recientes (Águila contra el hombre, Los señores del alma, Buena nueva del desastre) mantiene un órdago constante contra la poesía misma, la página en blanco, su yo poético. Al día de hoy guarda su pequeña venganza en haikus pervertidos, redondillas asmáticas, coplas leprosas... Todo enmarañado a la perfección para que, en cualquier momento, un animal luminoso salte de entre la maleza y nos deje las entrañas en vilo. Pero esto no fue siempre así. Aunque ahora Panero se dedique a bailar sobre su tumba con el cadáver de la poesía, hubo un tiempo en que la página aún no estaba en esa insoportable albura existencial. Hubo un tiempo en que un poeta atravesaba los bosques de la locura buscando su propia vida, la cual se hallaba crucificada en la más atronadora violencia. Hubo un tiempo de monumentales himnos derruidos, enzarzados monólogos trágicos ante espejos turbios, llanuras de metáforas arrasadas por el fuego de la ficción. Pero volemos hasta el origen...

El primer libro de Panero (sin contar con la plaquette malagueña Por el camino de Swann, 1968), Así se fundó Carnaby Street (Barcelona, 1970), quedará como uno de los intentos más auténticos de practicar en España las teorías vanguardistas europeas, no sólo de su generación, sino de todo el siglo XX. Usando la poesía en prosa a lo Bertrand y Mallarmé, bajo la herencia de dadá y el surrealismo más bretoniano, e incorporando voces inéditas en el mundo poético provenientes de la publicidad, el cómic, el rock, etcétera, Panero configura un discurso extravagante, aterrador, bello y novedoso. “Terribles cuentos negros de hadas” (Gimferrer) componen, no sólo un libro con flashes escalofriantes de una infancia hecha jirones, sino una síntesis (casi) única de lo que pudieron ser los ismos más salvajes en la poesía española, pero nunca fueron (bien por culpa del enorme peso de la tradición “castellana” en la literatura del Poder, bien por la asfixia del franquismo en general).

Si en Así se fundó… la fórmula es: maltratan a un niño, y el niño se esconde en un mundo sobrerreal y absurdo ubicado en su imaginación; en los dos siguientes poemarios, Teoría (Barcelona, 1973) y Narciso en el acorde último de las flautas (Madrid, 1979), la fórmula será: maltratan a un hombre –el Hombre– y éste desata el Apocalipsis.

En Teoría, Panero traspasa el arco coherente del verbo hasta perder –o encontrar– su nombre en un “Agujero llamado nevermore/ donde la angustia suavemente presa/ donde la sangre blancamente cesa”. El extenso poema “El canto del llanero solitario” (título que define a la perfección la aridez de su oficio) es, quizá, el chillido más inhumano de toda su obra. Balbuceos infantiles, fórmulas mágicas, versos en otras lenguas (vivas, muertas, inventadas), hermetismos matemáticos, invocaciones al mal en mayúsculas, antigravedades métricas, arritmias, nombres, fechas, paréntesis, citas... Todo un maremoto de palabras, silencios y espuma (“Verf barrabum qué espuma/ Los bosques acaso no están muertos?/ El libro de oro de la celeste espuma los barrancos/ en que vuela una paloma”).

Es Narciso uno de los libros de amor más arrebatadores y extraños jamás escritos. Para Panero el amor, como la poesía, son inútiles por definición. Si sirvieran de algo, para ser correspondidos o para lograr fama e inmortalidad, por ejemplo, se convertirían en entes parasitarios y contaminados, es decir, ya no serían en esencia (que es la única manera de ser). Sólo la muerte, única amante perfecta, nos desvelará el secreto de la nada. Y la muerte es poesía, y la poesía es amor. Eros y tánatos: dos cabezas del mismo dragón abocadas a incendiarse mutuamente para conocer la verdad. “Y la verdad, desnuda y en cueros, como una película de verdad, da miedo”. “Y sin la palabra la vida da miedo”. Y “oh, todo es verdad, salvo mi alma: salvo el alma que no tengo, y que se arrodilla ante el altar de la nada”. Y “que por lo menos, en este mundo de mentiras, mi sangre al menos sea cierta!”.

Sobre estas terribles paradojas y contrasentidos, con que la tragedia del hombre deviene insoportable si no es calmada literariamente, crece el ciprés de Narciso (“Este árbol es para los muertos. Para nadie más que los muertos [...] Y que este encuentro firme ese poema,/ este feto de ángel, esta excusa/ para no terminar hoy con mi vida”).

Y en la tierra de las últimas cosas, en las tinieblas de ultratumba (en cuyo pórtico ya nos advierte John Donne: “Nadie va dormido cuando camina hacia el patíbulo”), nos encontraremos todos los elementos que manchan la obra de uno de los poetas más singulares y mágicos que haya parido Lucifer: muerte, destrucción, asesinato, pérdida de identidad, demencia, humillación, obscenidad, escatología, coprofagía, necrofilia, incesto, pornografía, sadomasoquismo... Fealdades que hacen temblar los viejos subsuelos sobre los que el mundo construye su antifaz cotidiano; oscuridades dionisíacas que, provistas del cuerpo desnudo de un Apolo atrozmente bello y poético, surgen de los mares de la locura para mostrar al hombre lo que realmente es: nada. A Narciso le seguirán libros de gran crueldad y embrujo. La senda que conduce al paredón de la página virgen es peligrosa, máxime si encaras tu arte como una tauromaquia en que cada verso es lidia a vida o muerte. Caben destacar, entre ellos, Last River Together (Madrid, 1980), con ese desgarrador himno al alcohol que es “La canción del croupier del Mississippi” (“Escribir en España no es llorar, es beber,/ es beber la rabia del que no se resigna/ a morir en las esquinas [...] caerse húmedo babeante y tonto y/ derrumbarse como un árbol ante los farolillos/ de esta verbena cultural”). Con El último hombre (Madrid, 1983) se completa la trilogía de títulos referentes al límite, al crepúsculo del cisne (el último acorde, el último río y, por fin, el último hombre), que figuran a Panero como un visionario Juan en Patmos, escribiendo el último libro de la Biblia: el Apocalipsis. Y citaremos, también, Orfebre (Madrid, 1994), ya que marca una suerte de epifanía metapoética (“Yo he sabido ver el misterio del verso”), de encallamiento en la oquedad del espejo, en la hoja donde el poema niega la mano del poeta (“mientras tu boca agoniza/ y se ve cómo muere el poema”). Su poesía, entonces, despojada ya de cualquier aderezo magnífico y tramposo, se reduce a la mínima expresión en busca de lo inefable, dando tumbos contra sí misma.

De cualquier manera, para quien firma estas líneas, cada nuevo verso que sale de la isla de Nunca en que está recluido Leopoldo María Panero es una bendición del Diablo. Para ti, hipócrita lector, mi semejante, mi hermano, no sé qué significará ni me importa. Pero si vas a adentrarte en los infiernos del aedo no-vivo, atiende a un consejo: lleva una moneda de plata y ve dispuesto a regresar con la baba de los alucinados colgando (o a no regresar jamás, ¡qué demonios!)

Temblad, bellas durmientes, los muertos arrecian los bajíos del abismo. La Balsa de la Medusa embarrancada está en la sien del último poeta.

Texto completo y algunos poemas en:

http://www.fatalespejo.com.mx/artista_0310_panero.html

Angélica García Santa Olaya - poesía desde México

2006-12-13T07:36:00.000-08:00

¿PARA QUÉ?

¿Para qué mancillar el silencio

con palabras de humo?

Ceniza que ensordece

el rumor de las aguas

que sin presunciones

anuncian el final

bajo las cloacas.

Prefiero el perfume del drenaje

a la verborrea.

Angélica García Santa Olaya nació el 6 de septiembre de 1962 en la ciudad de México, Distrito Federal. Es licenciada en Periodismo y Comunicación Colectiva con Mención Honorífica en la UNAM. Ha escrito guiones para radio y redactado y corregido estilo en prensa, radio y televisión. Fue integrante de un grupo de teatro que difundió la pastorela como parte de la tradición mexicana. Estudió dos años de pintura en el Museo del Carmen de la ciudad de México donde participó de una exposición colectiva en septiembre de 2001. Ha sido premiada en concursos de cuentos. Participó del taller Teoría y Práctica del cuento de Alberto Chimal y del IV Festival Internacional de Cuento Breve “Los mil y un insomnios” en mayo del 2004 celebrado en Toluca, Edo. de México; así como también del XII Congreso Brasileño de Poesía en octubre de 2004 en la ciudad de Bento Gonçalves. En abril de 2005 participó del II Encuentro Internacional de Artes y Letras en Montevideo, Uruguay. En agosto de 2005 participó del Cuarto Chiapas de Poesía “Jamás callará la palabra” en San Cristóbal de las Casas, Chiapas. En octubre de 2005 participó del XIII Congreso Brasileño de Poesía en Río Grande do Sul. En noviembre de 2005 fue invitada al XIII Encuentro Mujeres Poetas en el País de las Nubes celebrado en Oaxaca. Cursó el Diplomado en Creación Literaria, XXXV generación, en la Escuela de Escritores de la Sociedad General de Escritores de México (SOGEM) en el Distrito Federal. Presentó el Recital Poético “Habitar el Tiempo” en el Colegio de Bachilleres, Plantel 10, Aeropuerto, México, D. F. dentro del programa “Conversaciones con la inteligencia” el 6 de diciembre de 2005. Parte de su obra poética y narrativa ha sido antologada y publicada en Brasil, Uruguay y México. Publicó el poemario Habitar el tiempo en la Colección Autores del 2000 de la Editorial Tintanueva y fue seleccionada para participar de la antología de cuentos mexicanos Antes que las letras se conviertan en arañas promovida por el grupo literario “Fatal Espejo”. Su plaquette El Sollozo se encuentra en proceso de impresión. Correo de contacto: santaolaya62@yahoo.com.mx.

Retrato de un alma mexicana

2006-12-13T07:30:00.000-08:00

“HABITAR EL TIEMPO”: RETRATO DE UN ALMA MEXICANA

Conocí a Angélica García Santa Olaya en la ciudad de Bento Goncalves, estado de Río Grande del Sur, en Brasil, durante un Congreso de Poesía donde se presentaban poetas y artistas de varias partes de América Latina.

Su gesto tierno, dulce, siempre con una sonrisa acogedora, me cautivó inmediatamente. Estaba allí una mujer en paz consigo misma y con el mundo, pensé.

Su poesía, por lo tanto, de sopetón, me pegó un susto... Distante de aquella figura aparentemente serena, su poesía no se amolda a adjetivos de tranquilidad. Hay en ella, una inquietud filosófica y política, inteligentemente perspicaz, sagaz, lúcida, que cuestiona todo el tiempo buscando respuestas para el mundo que la rodea. Hay en ella un torbellino de emociones, mezcla de sangre y flor, humor y dolor, romanticismo y suelo social.

Así, descubrí, a través de su poesía, que detrás de aquella criatura inefable habitaba otra mujer que no se dejaba fotografiar tan impunemente, pero que tenía que ser descubierta solamente a través de su poesía.

Había que intentar penetrar en su intimidad, quitar los velos de su sonrisa, desnudarla a través de su arte, tocarla en sus más recónditos escondrijos para abrazar en plenitud su alma de mujer fuerte y luchadora; marca común de las mujeres mexicanas. Angélica es, por encima de todo, alma de poesía mexicana.

Con mucho orgullo me hice su amigo a pesar de la distancia geográfica que el internet intenta disminuir un poco. Con mucha honra y extremadamente adulado de que ella haya elegido mi nombre, intento superar el escalofrío que su libro me despertó.

“Habitar el tiempo”, muestra una poeta en su perplejidad humanística. Angélica sabe que la poesía es una comunión con el otro, entiende que la poesía es eso: una religión -un religar- con el sentimiento de otro. Sólo así la poesía se concretiza, se hace posible en cuanto arte.

Sorprende la emoción lírica y estética de sus versos que no ostentan falsas erudiciones ni ciertas “invenciones” tan comunes en aquellos que vanidosamente piensan ser más de lo que son. Sus poemas fluyen naturalmente limpios y simples, procurando un nexo entre pasado y presente, buscando “habitar el tiempo” en lo que éste tiene de trascendente y eterno a través de pasajes reales y continuos figurativamente inscritos en dicotomías: vida-muerte, infancia-madurez, amor-pérdida, nostalgia-presencia, sangre-placer.

“Habitar el tiempo” se localiza en medio de estas paradojas de manera sorprendente, a través de una poesía contundente que a veces nos roza la piel como el agua de un río y otras nos corta como la hoja de un cuchillo. Otras tantas nos arroja sin piedad contra las rocas de su verdad. Sin embargo, la poeta intenta siempre -lo mismo en los versos más amargos y contundentes- construir un puente hacia la esperanza, porque cree aún en el ser humano.

Con emoción equilibrada por el ritmo, técnica y forma envolventes, utilizando los recursos estilísticos y de lenguaje de manera creativa, principalmente en el uso del espacio del poema en la página del libro, donde la palabra reposa libre de amarras, pronta para alzar el vuelo –recurso muy bien absorbido por los poetas visuales- como cuando las palabras vienen en convulsión. Como río caudaloso presto a inundar las márgenes, Angélica nos propone un trabajo rico en musicalidad, timbres diversos y bellas metáforas.

“Habitar el tiempo” es, en fin, un bello libro de poemas donde Angélica retrata una dulce y aguerrida alma mexicana. Su poesía atraviesa mares y océanos para desembocar y anclar aquí, en este corazón brasileño pero apuntando su flecha certera para el mundo.

Tanussi Cardoso Poeta y periodista Vice-Presidente del Sindicato de Escritores del Estado de Río de Janeiro Brasil Río de Janeiro, 21 de noviembre de 2004

Fernando Aguiar (Lisboa, Portugal 1956)

2006-12-13T06:56:00.000-08:00

LA ESPIRAL DEL TIEMPO

La espiral del tiempo

no tiene fin.

Vaga por el universo

generando polvo

después del polvo.

No se sabe

de donde viene

ni para

donde va.

Se detiene en el vacio

del silencio

que también

rueda en espiral

como ruedan

las espirales

de todos

los tiempos.

FERNANDO AGUIAR (Lisboa, Portugal, 1956) Considerado como el máximo representante de la performance y la poesía visual portuguesa. En 1972 comienza su trabajo de acción y poesía experimental. Ha realizado acciones, exposiciones, mail-art y participado en festivales y bienales en más de 40 países de todo el mundo. Este poema de Fernando Aguiar ha sido traducido por Leo Lobos, quién además agradece el envío y colaboración del artista portugués, para su divulgación en hispanoamerica. Contacto: mailto:fefernandoaguiar@netcabo.pt

Claudia Masin - poesía desde Argentina

2006-12-05T07:53:00.000-08:00

El camino de los sueños (inédito)

(Versión del film "Mulholland Drive" de David Lynch)

Creí que la memoria era eso: una cascada cayendo desde un despeñadero, una corriente que arrastraría consigo al océano. No la insistencia del agua sobre la materia, el goteo, el trabajo de años para dejar una muesca insignificante sobre la piedra inerme. Hubiera deseado conocerte antes: dos chicas tendidas al sol de una terraza, en la siesta de provincia, quietas y alertas a la vez, como la vegetación del desierto, que parece dormir o estar quieta, y en cambio, cada verano deja surgir de entre las hojas algún color sorprendente en la monocromía de la arena. A veces te miro distraerte de mí, inclinada hacia el interior de tus propios recuerdos, atenta como un animal asomando la cabeza dentro de un pozo abierto en la tierra. Siempre intento descubrir en tus ojos el contorno del objeto prodigioso que estás viendo, y no alcanzo a distinguir de él más que su efecto, un cambio de intensidad en tu expresión, el temblor, la reverberación del agua tras la caída de una piedra muy pequeña. Estamos lejos. Hasta mí llega la imagen ya disuelta, ya velada, en la historia que cada noche vas contándome, hilo tras hilo del tejido recompuesto, que no puede compararse siquiera a la espléndida trama original, de la que estoy, aunque no quiera, ausente.

Una película de amor (inédito)

(versión del film homónimo del "Decálogo" de Krysztof Kieslowski)

Yo comprendo la pasión de los astrónomos, las noches en vela, la atención dispuesta a captar, de entre todo lo que existe, cierta fosforescencia en el cielo. Podría decir, como ellos, que las cosas que me importan no suceden en el mundo. La mirada vive, en lo que ve, una segunda vida, más real que la primera, más intensa. Yo pensaba que mirándote siempre, en todos los momentos, los instantes preciosos que guardabas dentro de tu cuerpo se transferirían a mi propia constelación de recuerdos, y lo deseaba con tanta fuerza que creí ver con tus ojos –sin haberme movido jamás de esta ciudad o de este cuarto- los detalles de tu casa natal, las tormentas de nieve en un pueblito del sur, la tierra completamente roja en el otoño, invadida por las hojas de los arces, dos pies pequeños y descalzos, cubiertos por el barro, el rostro de tu madre. Quizás la intimidad entre dos seres dura lo que dura ese momento en que sabemos de los cuerpos y las cosas que otro amó, en otro tiempo. O acaso nadie alcance a rozar, ni en su deseo, las imágenes ajenas, y estés sola, y yo esté solo, y sea el nuestro, -como el recorrido de las familias de esquimales hacia el sol, sobre la nieve- un viaje del cual no queda huella.

NOTAS

Claudia Masin nació en Resistencia, Chaco, Argentina, en 1972. Tiene 34 años. Es escritora y psicoanalista. Vive en Buenos Aires desde 1990. Tiene tres libros de poemas editados: Bizarría (1997, Nusud, Buenos Aires); Geología (Seleccionado para su edición por el Plan de Promoción a la Edición de Literatura Argentina de la Secretaría de Cultura , 2001, Nusud, Buenos Aires); la vista (Premio Casa de América de Poesía Americana 2002, Visor, Madrid). Ha obtenido una Mención Honorífica del Fondo Nacional de las Artes de Argentina en 2004 por su libro inédito Abrigo. Poemas suyos han sido incluidos en diversas antologías, entre ellas Poesía latinoamericana del Siglo XXI: el turno y la transición (Compilador: Julio Ortega, Ed. Siglo XXI, México,1997), Agua de beber (Antología de poetas argentinas, Compiladora: Mónica D’Uva, Nusud, Bs. As., 2001). Es creadora y coordinadora, junto a un grupo de artistas de diversas disciplinas, de ciclos multimedia relacionados con la poesía (El pez que habla, 2000- El gallo y la luna, 2005) y de ciclos de recitales de poesía (La mirada,1998; Poligrafías, 2001; La Musik, 2004). Trabaja junto a un equipo de artistas visuales y músicos en la creación de texturas sonoras y visuales a partir de textos poéticos. Coordina un taller de escritura poética desde 1997 y un taller de escritura psicoanalítica desde 2003. A fines de este año se editará una antología de sus textos llamada El secreto (antología 1996-2006) en la Editorial De la Paz de Resistencia, Chaco, Argentina.

Inauguramos PALABRAS con poemas inéditos de Claudia Masin y un ensayo del poeta chileno Francisco Véjar, sobre el mítico poeta también chileno, Nicanor Parra. Desde ya agradecemos su divulgación y muestras varias de interés y simpatía.

Leo Lobos http://www.leolobos.blogspot.com/

Nicanor Parra. El antipoeta campesino por Francisco Véjar

2006-07-16T13:43:00.000-07:00

Nicanor Parra nace e1 5 de septiembre de 1914, en San Fabián, un pueblo cerca de Chillán, ciudad campesina a 400 kilómetros al sur de Santiago. Su infancia transcurre entre caminatas y excursiones por la provincia de Ñuble. Siempre le interesó el habla de la gente del campo chileno y la forma de vida de los mapuches. Más tarde aprendió el idioma mapudungún. Es el mayor de ocho hermanos: su padre, profesor primario y bohemio empedernido; su madre, una modista de trastienda. Creció con sus hermanos Hilda, Violeta, Eduardo, Roberto, Elba, Lautaro y René, casi todos ligados al arte como cantantes, juglares, artistas de circo.

Terminó sus humanidades en el Internado Nacional Barros Arana, colegio donde años más tarde fue inspector y profesor.

Fue estudiante de matemáticas y física, en el Instituto Pedagógico de la Universidad de Chile. El año ’49 viaja a Inglaterra a estudiar mecánica racional en Oxford. Ese año habían aparecido sus primeros antipoemas publicados en la antología compilada por Hugo Zambelli: 13 poetas chilenos (Valparaíso, 1948). Y también, en París, Jacques Prévert publicaba sus Paroles.

Recordemos que doce años antes, Nicanor había dado a conocer el libro Cancionero sin nombre, obra influida por Federico García Lorca. Según Parra: “Con Oscar Castro representábamos un tipo de poetas espontáneos, naturales, al alcance del grueso público. Un día volví a releer el Romancero Gitano. Y puse los ojos en el poema ‘La casada infiel’. Me di una palmada en la frente. ¿Qué es esto? Un hombre verdadero no cuenta esas cosas…”.

En Inglaterra concluye sus Poemas y antipoemas, entre 1949 y 1951. “Un día leí a John Donne que escribió: ‘Muerte no te enorgullezcas’, y me di cuenta de todo el potencial de la poesía inglesa con respecto a la de Hispanoamérica –recuerda–. Y asimismo, caminando por Oxford, vi en una librería el libro de Henri Pichette Apoémes. Ahí mismo me empezó a dar vuelta esa palabra”.

Lo cierto es que Poemas y antipoemas aparece en 1954, con una introducción de Pablo Neruda, hecha a petición del editor Carlos Nascimento. Hay que tener en cuenta que Neruda era el poeta más importante de Hispanoamérica, pero Parra logró salir de su órbita y darle apertura al lenguaje; actualiza las tradiciones clásica y popular; crea nombres para ambas. Gabriela Mistral le responde así: “Estamos ante un poeta cuya fama se extenderá internacionalmente”. Y Neruda, aquel invierno, anduvo con un ejemplar de Poemas y antipoemas en uno de los bolsillos de su abrigo.

Neruda ante el espejo Cuatro años más tarde, en 1958, Neruda publica Extravagario y el primero que sale a la palestra es Enrique Lafourcade, para dar cuenta de la influencia de Parra. El crítico Mario Ferrero adujo: “Poemas y antipoemas fue determinante para que varios poetas mayores sintieran la necesidad de renovarse, de ponerse a tono con este nuevo lenguaje crítico y social de Parra, que satirizaba la desintegración de una época y de sus falsos valores culturales”.

La aparición de la antipoesía no sólo se debe al talento de Parra, sino a que cerca de los ’50 se manifiesta un cambio en el mundo y se hace latente la desconfianza hacia las ideologías. El crítico francés Alain Sicard, en su ensayo Nicanor Parra, la ruptura antipoética, apunta: “El gran mérito de la antipoesía es haber entendido, en pleno auge del realismo socialista y sus derivados, que éste no era el verdadero camino para una poesía popular”.

Recordemos que por entonces surgía una generación posterior a la de Parra, con distintos registros y desplazamientos; pero válidos como lo confirma la actualidad. Allí estaban Jorge Teillier, Enrique Lihn, Rolando Cárdenas, poetas ahora fallecidos o unos pocos todavía vivos, quienes han sabido unificar a la poesía chilena, dentro de la diversidad natural de la última centuria.

Numerosos críticos han dicho que la “antipoesía es puramente negativa, expresa la nada, hace irrisión de la esperanza, carece absolutamente de mensaje y también de ética” (Borgeson). Sin embargo, en su escritura muestra un espejo cóncavo que obliga al hombre a verse en toda su ridiculez, convirtiéndose de modo paradójico en una defensa del individuo. Ya entonces Neruda decía: “Lo que no entiendo es cómo puede hacer poesía de la basura”.

En 1958 publica La cueca larga, que le hizo decir a Jorge Teillier las siguientes palabras: “Nicanor Parra se emparienta a un grupo de poetas cultos de nuestra época que tratan de recuperar el antiguo contacto entre el pueblo y el poeta, cuando éste era el intérprete de su espíritu”.

Calcetines huachos

Mi posición es esta: el poeta no cumple su palabra si no cambia el nombre de las cosas. (De Versos de Salón, 1962). Ahora vuelven las palabras del ensayista peruano Julio Ortega, a propósito de Parra: “El poeta es un hombre como todos. Su lenguaje debe ser una forma lúcida de la vida cotidiana, donde la sabiduría mundana y la pasión desmitificadora se opongan a ‘la poesía de gafas oscuras y sombrero alón’ del escritor ‘ratón de biblioteca’. Parra es autor de lo que él ha llamado ‘antipoesía’, un proyecto sistemático de recuperación del habla empírica, una búsqueda a través de la sobriedad irónica, de las palabras antisolemnes. El anticonformismo y su profundidad le daban un carácter subversivo a los poemas, heredado de la tradición de Pablo Neruda y César Vallejo”. Quizás esto se confirma en el poema El obrero textil (balada inglesa), de 1989:

“Cuando era soltero vivía solo y trabajaba en la industria textil y mi único error imperdonable fue cortejar una muchacha rubia la cortejé en invierno como también en verano y mi único error imperdonable, fue protegerla del neblinoso rocío una noche en que estaba profundamente dormido me despertó su llanto desesperado parecía una loca arrodillada ante el lecho nupcial qué hacer para consolarla qué hacer para arrebatársela al neblinoso rocío corroborarla con afecto profundo y la estreché en mis brazos como nunca De nuevo soy soltero vivo con mi hijo los 2 trabajamos para la industria textil y cada vez que lo miro a los ojos me recuerda aquella joven inexplicable recuerdo los inviernos y también los veranos en que yo la abrazaba y la besaba para arrebatársela al neblinoso rocío

Nicanor Parra, además de poeta, antipoeta, físico matemático y profesor de varias cátedras, ha sido traductor de la Poesía rusa contemporánea (1971). Este es un trabajo que preparó en Moscú durante 1964, laborando con las primeras versiones literales al castellano de José Vento. Sus traducciones abarcan desde Alexander Blok hasta Bela Ajmadulina. También tradujo un libro de ciencia, Fundamentos de la Física, de Robert Bruce Lindsay y Henry Nargeman. El libro posee una visión filosófica sustentada en el lenguaje. En 1992 traduce a William Shakespeare, su Rey Lear, texto estrenado por la Escuela de Teatro de la Universidad Católica. Para Nicanor Parra fue inolvidable: “Ahora no me imagino a mí mismo sin El Rey Lear. Es mi última oportunidad de subirme al último carro del tren”.

No debemos olvidar que en 1969 recibió el premio Nacional de Literatura. Tres años después, Enrique Lihn fue el primero en pedir el Nobel para Parra, en la presentación que hizo de los Artefactos. Aunque puso una condición: “Nobel para Parra, pero después de Borges…, es decir, ¿nunca?”.

Por años Nicanor vivió en Santiago. Sus preocupaciones eran científicas (“en las noches no podía dormir bien, las ecuaciones bailaban en mi cabeza”). Pero en su biblioteca descansaban alrededor de 30 cuadernos universitarios repletos de poemas inéditos, donde de pronto aparecía una figura desconcertante: “el Inocencio Conchalí”; “el enano maldito”; “el admirador incondicional”... Y ahora incluso quiere reunir esas frases en un libro que llama Calcetines huachos, por su dispersión, son poemas de distintas épocas.

En su casa por todas partes encontramos vestigios de creatividad: dibujos hechos en madera; poemas escritos a lápiz; una caja de vinos con la leyenda: “las botellas vacías del autor”; un balcón desde donde se divisa la abundante vegetación del predio y parte de Santiago.

Entra así en escena Nicanor Parra, causando admiración con su obra, pero también opiniones adversas que acusan al lenguaje antipoético de agotarse en su retórica, o que va por un callejón sin salida, donde el individuo no encuentra su revelación. Pero el poeta ha dicho en muchas ocasiones: “el sujeto murió hace tiempo”.

Parra con 91 años Ahora último decidió establecerse en el balneario de Las Cruces, en el litoral central. Atrás quedó su vida urbana y las charlas en su casa de Santiago. Entonces se le solía encontrar con un cuaderno de croquis y un lápiz en la mano. Pero mantiene allí sus libros, recuerdos de Violeta, un piano de cola y algunas puertas donde todavía se pueden ver ecuaciones escritas con tiza blanca. En el presente su vida va de San Antonio a Mirasol. Visita tiendas de anticuarios, viaja a su casa de Isla Negra. Allí conoció a Ana María Molinare, la musa inspiradora de El hombre imaginario:

El hombre imaginario vive en una mansión imaginaria rodeada de árboles imaginarios a la orilla de un río imaginario De los muros que son imaginarios penden antiguos cuadros imaginarios irreparables grietas imaginarias que representan hechos imaginarios ocurridos en mundos imaginarios en lugares y tiempos imaginarios Todas las tardes tardes imaginarias sube las escaleras imaginarias y se asoma al balcón imaginario a mirar el paisaje imaginario que consiste en un valle imaginario circundado de cerros imaginarios Sombras imaginarias vienen por el camino imaginario entonando canciones imaginarias a la muerte del sol imaginario Y en las noches de luna imaginaria sueña con la mujer imaginaria que le brindó su amor imaginario vuelve a sentir ese mismo dolor ese mismo placer imaginario y vuelve a palpitar el corazón del hombre imaginario.

Su respuesta a los problemas actuales es dura: “Todo está encaminado al sexo: pederastia, escándalos diversos... Lo que no entiendo es quiénes están detrás de todo esto”. Y sigue: “La farándula se sustenta en la siguiente frase: ‘a bailar, a bailar, que el mundo se va a acabar’. Esto opera en el inconsciente colectivo. Después del colapso ecológico y la amenaza nuclear, quieren farrearse lo que les resta por devastar. No les importan las generaciones venideras. Más tarde vendrá la pornocultura y el basurarte”.

Quizás por esto, sus artefactos toman la forma de cosas que los demás botan a la basura, pero que él vuelve a darles vida. “Pasan a ser deseables”, dice. Un día, caminando por la playa, encontró la base de un quitasol abandonado por los veraneantes. La llevó a su casa y le puso un paraguas desvencijado y más abajo una plataforma metálica, con la siguiente frase: “El Parraguas de Calder”. Lo instaló en el balcón y empezó a flamear con el viento.

Su casa en la costa

El paisaje que lo rodea a diario es apacible y marítimo. Hay casonas de los años ’40 o ’50 que aun guardan su señorío en el sector. El océano Pacífico se observa desde todos los ángulos. Al franquear la verja de su residencia e ingresar al jardín, se aprecia una enorme palmera, las azucenas de marzo y un juego de terraza.

En su casa exhibe sus artefactos junto a fotografías, libros y máquinas de escribir Woonderwood. Sobre una mesa de centro, en el living, se ven obras de William Shakespeare, Diego Portales y Joaquín Edwards Bello. Además de cartas, cuadernos, diarios y revistas nacionales. De una de las paredes pende una fotografía suya del año ’32, en el INBA. Entre los retratados aparecen Jorge Millas y Carlos Pedraza. “Casi todos están muertos”, recuerda Nicanor.

Más allá, sobre el sofá, encuentro un papel con el dibujo de un corazón con patas; se lee: “Muchos los problemas / una la solución: / Economía Mapuche de Subsistencia”.

“Desde muy niño estuve cerca de los mapuches. Vivían sin mercado, tenían su huerto, iban al pueblo de tarde en tarde a comprar los vicios”. Esto tiene relación, para él, con el smog asfixiante de Santiago. No privilegia ningún mensaje específico, más bien apunta al escepticismo: “Hagas lo que hagas / te arrepentirás”.

Ahora a Nicanor se le ve dedicado a sus Obras Completas, que aparecerán en España. La idea fue de un crítico literario de allá, Ignacio Echevarría. Él percibe a Nicanor como “un autor que choca con las primicias de la solemnidad. El interés radica en hacer operativa y resonante a la antipoesía en España”.

La editorial New Directions, de Nueva York, acaba de publicar una antología de su obra. Y el año pasado editó una adaptación de la obra de Shakespeare, que llama: Lear, rey & mendigo. “Tuve que abordar temas como el Renacimiento, la Reforma, las consecuencias del descubrimiento del Nuevo Mundo e incluso retroceder hasta Séneca y pasar por La Divina Comedia. Hice peregrinaciones espaciales y temporales para formarme una idea más completa del mundo en que Shakespeare escribió su Rey Lear”.

Volver a los olvidados

Quién lo diría, pero el antipoeta ha vuelto a escarbar en las antologías de la poesía chilena del siglo XX. Su poeta preferida es María Monvel (1899-1936), seudónimo de Tilda Brito Letelier. La descubrió al leer su poema “Mi hija juega en el jardín”. Al enmendar algunos versos de ese poema, lo usó en otro poema dedicado a su nieta de 6 años, quien adoptó el nombre de “Lina Paya”.

Mi nieta juega en el jardín Mi nieta juega en el jardín y sin embargo yo estoy triste triste de tanta dicha, triste porque la dicha tiene fin. Viene corriendo y se va luego y me da un beso y una flor; su voz musita a su vez un ruego, a su vez un mimo encantador. Es la más linda de las flores. Como ella no hay otra flor. ¿Qué han sido todos mis amores comparados con este amor? No creo en destinos amargos, aunque las cosas tengan fin; pero quisiera largos, largos estos momentos del jardín.

Uno tiene derecho a estar triste de nuevo –agrega Parra, al cabo de un silencio–, aunque la tristeza esté erradicada de la poesía.

Recuerda a otros poetas chilenos: Juan Guzmán Cruchaga, Francisco Contreras o Julio Vicuña Cifuentes. Del último relee el soneto ¡Aun es tiempo que venga!; le gusta el final:

La que evoqué en mis horas de soledad y hastío, ¡aún es tiempo que venga, aún es tiempo que venga! Estos textos son estados anímicos de Nicanor Parra.

Pero Shakespeare continúa siendo su lectura preferida. En una oportunidad hablamos sobre el big bang y el big crunch; le pregunté: “¿cree usted que no dejaremos huella?”. Y respondió: “es algo que no me deja tranquilo. Cuando pongo la cabeza cerca de la ventana y miro hacia el mar, vuelvo a escuchar los diálogos de Hamlet. Están ahí, no ha pasado el tiempo. Hamlet es la culminación de todo”.